Hyperrealisme Sculptuur
van 10 maart 2018 – 1 juli 2018 te zien in de Kunsthal Rotterdam, Museumpark, Westzeedijk, in Rotterdam.
Echter dan echt
Met de tentoonstelling ‘Hyperrealisme Sculptuur’ zet de Kunsthal Rotterdam, na het succes van de tentoonstelling ‘Hyperrealisme. 50 jaar schilderkunst’ in 2017, de stap naar de derde dimensie. De tentoonstelling biedt een uniek overzicht van belangrijke hyperrealistische beeldhouwers van de afgelopen 50 jaar. Van de vroege Amerikaanse pioniers onder wie George Segal, Duane Hanson en John DeAndrea tot de opkomst van de internationale beweging, vertegenwoordigd door onder Juan Muñoz (Spanje), Maurizio Cattelan (Italië), Berlinde de Bruyckere (België) en Ron Mueck, Sam Jinks en Patricia Piccinini (uit Australië).
Met 35 kunstwerken van 28 kunstenaars toont de Kunsthal voor het eerst in Nederland een toonaangevend overzicht van de ontwikkeling van vijftig jaar hyperrealistische beeldhouwkunst wereldwijd. Sinds de jaren 1960 en 1970 houden kunstenaars zich vanuit verschillende invalshoeken bezig met een vorm van figuratieve kunst waarbij de menselijke figuur zo levendig en levensecht mogelijk wordt verbeeld. Het oog in oog staan met deze beelden prikkelt de reactie van bezoekers en roept vragen op over de maakbaarheid van de mens en over identiteit. Hoe kijken we naar onszelf en naar anderen - een interessant gegeven in de huidige selfie cultuur op social media.
Menselijke replica's
Aan de hand van vijf verschillende thema’s laat de tentoonstelling zien dat de manier waarop we naar onze lichamen kijken voortdurend verandert.‘Dubbelgangers’ zoomt in op kunstenaars als Duane Hanson en John DeAndrea, die sinds de jaren 1960 de toon zetten met sculpturen van menselijk formaat. Om de sculpturen nog echter te laten lijken, besteden ze - met extreem arbeidsintensieve en complexe procedures en innovatieve materialen - veel aandacht aan het weergeven van de structuur van de menselijke huid en combineren ze de werken met objecten uit de werkelijkheid. Ook de hyperrealistische naakten van de Amerikaanse kunstenaar Paul McCarthy zijn te zien en werk van de Franse kunstenaar Daniel Firman, die zijn sculpturen juist volledig aankleedt, waarbij hij gelaatstrekken en ledematen systematisch verhult.
Dimensies
Vanaf de jaren 1990 zien we dat een aantal kunstenaars waaronder Ron Mueck, Marc Sijan en Sam Jinks de maatvoering van gestaltes drastisch vergroten of juist verkleinen.
Ron Mueck gebruikt dit om de nadruk te leggen op de overgangsfases van het leven zoals geboorte, ouderdom en de dood. Door het menselijk lichaam op een vervreemdende manier weer te geven, maakt hij deze thema’s nog indringender. Een spectaculair voorbeeld is het vijf meter lange werk ‘A Girl’ uit 2006 (uit de collectie van Scottish National Gallery of Modern Art) dat een pasgeboren baby voorstelt.
Vervormde realiteit
Bij het thema ‘deformaties’ kijken we naar kunstenaars als Evan Penny en Patricia Piccinini die het lichaam observeren vanuit vertekende perspectieven, Tony Matelli die met zijn zwevende gestalte zich niets lijkt aan te trekken van natuurwetten en Berlinde de Bruyckere die, door middel van haar sculpturen van verwrongen lichamen, onderwerpen als de dood en het menselijk bestaan onderzoekt.
Lichaamsdelen
Het thema ‘lichaamsdelen’ laat kunstenaars zien die zich vanaf de jaren 1990 richten op specifieke delen van het lichaam. De losgekoppelde armen van Maurizio Cattelan en een schijnbaar keurig afgehakt, behaard onderbeen van Robert Gober die uit muren tevoorschijn komen, de levensgrote hoofden van de Britse kunstenaar John Davies en de bijna surrealistische mensdelen van Peter Land, worden gebruikt ter ondersteuning van verontrustende boodschappen, met af en toe een vleugje humor.
Following the success of the 2017 exhibition ‘Hyperrealism. 50 years of painting’, the Kunsthal Rotterdam crosses over to the third dimension with the exhibition ‘Hyperrealism Sculpture’. The exhibition will show a unique selection of three-dimensional works by all important hyperrealist sculptors of the past 50 years. From the early American pioneers, including George Segal, Duane Hanson and John DeAndrea, to the rise of the international movement, represented by Juan Muñoz (Spain), Maurizio Cattelan (Italy), Berlinde de Bruyckere (Belgium) and Ron Mueck, Sam Jinks and Patricia Piccinini (Australia).
With 35 artworks by 28 artists, the Kunsthal is showing for the first time in the Netherlands a leading overview of the development of fifty years of hyper-realistic sculpture worldwide. Since the 1960s and 1970s, artists have been involved in a form of figurative art from different angles, in which the human figure is depicted as vivid and lifelike as possible. To come face to face with these images stimulates the reaction of visitors and raises questions about the manipulability of man and about identity. How do we look at ourselves and others - an interesting fact in today's selfie culture on social media.
Human replicas
Using five different themes, the exhibition shows that the way we look at our bodies is constantly changing. 'Doppelgangers' zooms in on artists such as Duane Hanson and John DeAndrea, who have been leading the way with sculptures of human size since the 1960s. . To make the sculptures appear even more real, they pay a lot of attention - with extremely labor-intensive and complex procedures and innovative materials - to display the structure of human skin and combine the works with objects from reality. The hyper-realistic nudes of the American artist Paul McCarthy can also be seen and work by the French artist Daniel Firman, who dresses his sculptures completely, systematically concealing facial features and limbs.
Dimensions
From the 1990s we see that a number of artists, including Ron Mueck, Marc Sijan and Sam Jinks, drastically increase or decrease the size of figures.
Ron Mueck uses this to emphasize the transitional phases of life such as birth, old age and death. By rendering the human body in an alienating way, he makes these themes even more penetrating. A spectacular example is the five-meter-long work "A Girl" from 2006 (from the collection of the Scottish National Gallery of Modern Art), which represents a newborn baby.
Distorted reality
In the theme of 'deformations', we look at artists such as Evan Penny and Patricia Piccinini who observe the body from distorted perspectives, Tony Matelli who, with his floating figure, does not seem to care about natural laws and Berlinde de Bruyckere who, through her sculptures of twisted bodies, examining subjects such as death and human existence.
Body parts
The theme "body parts" shows artists who have been focusing on specific parts of the body since the 1990s. The disconnected arms of Maurizio Cattelan and a seemingly neatly chopped, hairy lower leg of Robert Gober emerging from walls, the life-sized heads of British artist John Davies and the almost surrealist human parts of Peter Land are used to support disturbing messages, with an occasional touch of humor.
Nach dem Erfolg der Ausstellung 2017 „Hyperrealismus. 50 Jahre Malerei “wechselt die Kunsthal Rotterdam mit der Ausstellung„ Hyperrealism Sculpture “in die dritte Dimension. Die Ausstellung zeigt eine einzigartige Auswahl dreidimensionaler Werke aller wichtigen hyperrealistischen Bildhauer der letzten 50 Jahre. Von den frühen amerikanischen Pionieren wie George Segal, Duane Hanson und John DeAndrea bis zum Aufstieg der internationalen Bewegung, vertreten durch Juan Muñoz (Spanien), Maurizio Cattelan (Italien), Berlinde de Bruyckere (Belgien) und Ron Mueck, Sam Jinks und Patricia Piccinini (Australien).
Mit 35 Kunstwerken von 28 Künstlern zeigt die Kunsthal erstmals in den Niederlanden einen führenden Überblick über die Entwicklung von fünfzig Jahren hyperrealistischer Skulptur weltweit. Seit den 1960er und 1970er Jahren beschäftigen sich Künstler mit einer Form der figurativen Kunst aus verschiedenen Blickwinkeln, in der die menschliche Figur so lebendig und lebensecht wie möglich dargestellt wird. Sich diesen Bildern von Angesicht zu Angesicht zu stellen, regt die Reaktion der Besucher an und wirft Fragen nach der Manipulierbarkeit des Menschen und nach der Identität auf. Wie sehen wir uns selbst und andere - eine interessante Tatsache in der heutigen Selfie-Kultur in den sozialen Medien.
Menschliche Nachbildungen
Die Ausstellung zeigt anhand von fünf verschiedenen Themen, dass sich die Art und Weise, wie wir unseren Körper betrachten, ständig ändert. Doppelgänger vergrößern Künstler wie Duane Hanson und John DeAndrea, die seit den 1960er Jahren mit Skulpturen in Menschengröße führend sind. . Um die Skulpturen noch realer erscheinen zu lassen, legen sie großen Wert darauf, mit äußerst arbeitsintensiven und komplexen Verfahren und innovativen Materialien die Struktur der menschlichen Haut darzustellen und die Arbeiten mit Objekten aus der Realität zu kombinieren. Sie können auch die hyperrealistischen Akte des amerikanischen Künstlers Paul McCarthy und die Arbeiten des französischen Künstlers Daniel Firman sehen, der seine Skulpturen vollständig kleidet und systematisch Gesichtszüge und Gliedmaßen verbirgt.
Maße
Ab den 1990er Jahren sehen wir, dass eine Reihe von Künstlern, darunter Ron Mueck, Marc Sijan und Sam Jinks, die Größe der Figuren drastisch erhöhen oder verringern.
Ron Mueck betont damit die Übergangsphasen des Lebens wie Geburt, Alter und Tod. Indem er den menschlichen Körper auf entfremdende Weise wiedergibt, macht er diese Themen noch durchdringender. Ein spektakuläres Beispiel ist das fünf Meter lange Werk "A Girl" aus dem Jahr 2006 (aus der Sammlung der Scottish National Gallery of Modern Art), das ein Neugeborenes darstellt.
Verzerrte Realität
Im Thema 'Deformationen' betrachten wir Künstler wie Evan Penny und Patricia Piccinini, die den Körper aus verzerrten Perspektiven betrachten, Tony Matelli, der sich mit seiner schwebenden Figur nicht um Naturgesetze zu kümmern scheint, und Berlinde de Bruyckere, die durch ihre Skulpturen von verdrehten Körpern, die Themen wie Tod und menschliche Existenz untersuchen.
Körperteile
Das Thema "Körperteile" zeigt Künstler, die sich seit den 1990er Jahren auf bestimmte Körperteile konzentrieren. Die unverbundenen Arme von Maurizio Cattelan und ein scheinbar ordentlich gehackter, haariger Unterschenkel von Robert Gober, die aus den Wänden auftauchen, die lebensgroßen Köpfe des britischen Künstlers John Davies und die fast surrealistischen menschlichen Teile von Peter Land werden verwendet, um störende Botschaften zu unterstützen ein gelegentlicher Hauch von Humor.
Mel Ramos
Mel Ramos (Sacramento, Californië, 24 juli 1935 - Oakland (Californië), 14 oktober 2018) was een Amerikaans kunstschilder; hij werd sinds de jaren 60 internationaal bekend met figuratieve schilderijen van vrouwen en consumptieartikelen. Zijn hyperrealistische werk wordt gerekend tot de popart.
Werk
Popart
In zijn werk combineert Ramos realistische weergave van vrouwen en uitvergrote consumptieproducten tegen monochrome achtergronden. Sinds 1959 heeft hij deelgenomen aan meer dan honderdtwintig groepstentoonstellingen. Zijn werk was vaak te zien samen met werk van popartkunstenaars als Andy Warhol, Roy Lichtenstein, Claes Oldenburg en James Rosenquist in de Verenigde Staten en in Europa. Het werk werd veelvuldig gereproduceerd in boeken en tijdschriften.
Wonder Woman
Mel Ramos begon in 1961, striphelden zoals Batman te schilderen. Vanaf 1963 richtte hij zich vooral op het afbeelden van Wonder Woman, andere vrouwelijke superhelden en pin-upgirls, in een omgeving van westerse consumptieartikelen zoals Coca-Colaflesjes en luxe auto's. Het is niet direct duidelijk of hij met zijn werk de uitbuiting van vrouwelijk schoon in de reclame aanklaagt of juist zelf de vrouwelijke schoonheid ongegeneerd idealiseert. Desgevraagd stelde hij dat hij geen vrouwen schildert maar "afbeeldingen van vrouwen", dus stof tot dromen waarmee hij eerder wil behagen dan provoceren.
Persiflage
Op ironische wijze persifleerde hij sinds 1972 ook bekende meesterwerken uit de kunstgeschiedenis (Unfinished Paintings) waarbij hij de klassieke naakten vervangt door hedendaagse pin-upgirls. In een later stadium van zijn loopbaan liet hij zijn ontwerpen ook uitwerken als gepolychromeerde plastieken.
Mel Ramos
Melvin John Ramos (July 24, 1935 – October 14, 2018) was an American figurative painter, specializing most often in paintings of female nudes, whose work incorporates elements of realist and abstract art.
Born in Sacramento, California, to a first generation Portuguese-Azorean immigrant family, he gained his popularity as part of the pop art movement of the 1960s. Ramos is "best known for his paintings of superheroes and voluptuous female nudes emerging from cornstalks or Chiquita bananas, popping up from candy wrappers or lounging in martini glasses". He was also a university art professor.
Biography
Ramos attended Sacramento Junior College and San Jose State College. One of his earliest art teachers was Wayne Thiebaud, who is considered his mentor, and who remained his friend. Ramos received his B.A. and his M.A. from Sacramento State College, finishing his education in 1958. From 1958–1966, Ramos taught art at Elk Grove High School and Mira Loma High School in Sacramento. After two brief college teaching assignments, he began a long career (1966–1997) at California State University, East Bay, in Hayward, California, and then served as Professor Emeritus. He was Artist in Residence at Syracuse University and the University of Wisconsin.
Marriage
Ramos married Leta (Helmers) Ramos in 1955, who was the model for many of his early nude paintings.
Art career
Ramos received his first important recognition in the early 1960s; since 1959 he has participated in more than 120 group shows. Along with Roy Lichtenstein and Andy Warhol, he was one of the first artists to do paintings of images from comic books, and works of the three were exhibited together at the Los Angeles County Museum of Art in 1963. Along with Claes Oldenburg, James Rosenquist, Tom Wesselmann and Wayne Thiebaud, Ramos produced art works that celebrated aspects of popular culture as represented in mass media. His paintings have been shown in major exhibitions of pop art in the U.S. and in Europe, and reproduced in books, catalogs, and periodicals throughout the world.
In 2009, Ramos was part of the first Portuguese American bilingual art book and exhibit in California "Ashes to Life a Portuguese American Story in Art" with fellow artists Nathan Oliveira, John Mattos and João de Brito. Ramos was represented by the Louis K. Meisel Gallery since 1971. He has also been represented for many years by San Francisco's Modernism gallery and Galerie Ernst Hilger, Austria.
A major exhibition of his work was held at the Albertina in Vienna in 2011.
A retrospective of over 50 years of his work opened at the Crocker Art Museum in his hometown of Sacramento on June 2, 2012. This show is "the first major exhibition of his work in his hometown", and his first American retrospective in 35 years.
Death
Ramos died of heart failure on October 14, 2018 at Kaiser Hospital in Oakland, California.
Mel Ramos
Mel Ramos (24. Juli 1935 in Sacramento, Kalifornien als Melvin John Ramos; 14. Oktober 2018 in Oakland, Kalifornien) war ein amerikanischer Künstler und gilt als bedeutender Vertreter der Pop Art.
Leben
Mel Ramos wurde als Sohn portugiesischer Einwanderer geboren und studierte Kunst am Sacramento Junior College und am Sacramento State College. Er lebte in Oakland sowie in Horta de San Juan (Spanien).
Werk
Als Schüler von Wayne Thiebaud stand Mel Ramos der so genannten Bay Area Figurative School nahe, die sich ab den 1950er Jahren vom damals in den USA vorherrschenden Abstrakten Expressionismus absetzte. 1961 begann Mel Ramos, Comic-Figuren wie Batman, Superman oder The Spectre zu malen.
Ab 1963 wandte er sich dem zentralen Thema seines Schaffens zu. Über weibliche Superheldinnen wie Wonder Woman gelangte er zur Darstellung von Pin-up-Girls und typischen Arrangements aus der Werbung, welche die Produkte über die Darstellung aufreizender weiblicher Sexualität verkaufen soll. Dabei entstanden Bilder, in denen er Frauen „in vulgär-vitaler Pose auf gemalten Warenartikeln drapierte und damit die triviale Glamourgestik einer Werbemasche parodierte, die die Kauflust mit sexuellen Reizen schürt.“ Diese „Commercial Pin-Ups“ sollten über Jahrzehnte das Markenzeichen von Mel Ramos bleiben. Kritik für seine expliziten Frauendarstellungen erfuhr er in den 1960er Jahren von konservativer, später auch von feministischer Seite. Seine erste Einzelausstellung fand 1966 in der Galerie Ricke in Kassel statt. Bei einer Einzelausstellung im Jahr 1967 wurden Ramos-Bilder von der Kölner Polizei verhängt: Die Ausstellung hatte Arbeiten aus seiner Serie Animal Paintings gezeigt, die Frauen in eindeutigen Posen mit Tieren wie Robben, Kängurus oder Nilpferden kombinierten.
Ab 1972 persiflierte Ramos in seinen „Unfinished Paintings“ die Aktbilder klassischer Meister wie Ingres, Modigliani und Manet, wobei er deren subtile Erotik durch den direkteren Sexappeal der Pin-ups ersetzte. Weitere Zitate aus der Kunstgeschichte verwendete Ramos etwa in seinen Serien „I still get a thrill when I see Bill“ und „The Transfiguration of Galatea“, in denen er die Werke von Willem de Kooning bzw. antike Skulpturen als Sujet benutzte.
Von 1966 bis 1997 lehrte Ramos als Professor für Malerei an der California State University in Hayward.
Ausstellungen
1963: Teilnahme an Pop Art-Ausstellungen im Oakland Museum of California und im Contemporary Art Museum in Houston
1964: Einzelausstellung in der Bianchini-Gallery in New York
1965: Teilnahme an der Gruppenausstellung Pop Art, Nouveau Réalisme, etc. im Palais des Beaux-Arts, Brüssel
1966: Teilnahme an der Wanderausstellung 11 Pop Artists durch die USA
1967: Einzelausstellung im San Francisco Museum of Art
1969: Erste Einzelausstellung in Deutschland im Gegenverkehr, Zentrum für aktuelle Kunst, in Aachen
1972: Einzelausstellung im Utah Museum of Fine Arts, Salt Lake City
1974: Teilnahme an einer Pop Art-Ausstellung im Whitney-Museum of American Art in New York
1975: Einzelausstellung im Museum Haus Lange, Krefeld
1977: Erste Retrospektive im Oakland Museum of California
1991: Teilnahme an der großen internationalen Wanderausstellung »Pop Art« (Royal Academy of Arts, London; Museum Ludwig, Köln; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid; The Montreal Museum of Fine Arts)
1999: Teilnahme an der druckgraphischen Gruppenausstellung »Pop Impressions« im Museum of Modern Art, New York
2007: Teilnahme an der Ausstellung Pop Art Portraits in der National Portrait Gallery in London und in der Staatsgalerie in Stuttgart
2010: Mel Ramos. 50 Jahre Pop-Art, Kunsthalle Tübingen, (erste europäische Retrospektive des Künstlers)
2011: Mel Ramos, Villa Stuck, München
2011: Mel Ramos. Girls, Candies & Comics, Albertina, Wien
2012: Mel Ramos Retrospektive, Albertina Wien
2015: Mel Ramos. My Age of Pop. Ludwig Museum Koblenz
